Harta Karun Video Konser Jazz dan Jiwa di Situs Streaming Quincy Jones
Article

Harta Karun Video Konser Jazz dan Jiwa di Situs Streaming Quincy Jones


Dalam film konser yang sekarang tersedia di Qwest TV, Nina Simone tampil langsung di Olympia, di Paris, pada tahun 1970.

Menonton video rekaman konser tidak pernah sama dengan berada di sana, namun yang terbaik adalah pertunjukan yang difilmkan dapat memperkuat musik dengan dimensi sinematik, menciptakan gambar-gambar yang menyilaukan dan latar depan kehadiran karismatik. Itulah harta karun baru yang luar biasa dari enam puluh enam film konser, yang bersumber dari arsip audiovisual nasional Prancis dan dirilis di situs Web TV Qwest. (Qwest adalah situs streaming dan saluran TV, didirikan pada tahun 2017 oleh Quincy Jones dan produser musik Reza Ackbaraly.) Pertunjukannya, mulai dari tahun sembilan belas lima puluhan hingga sembilan belas delapan puluhan, menampilkan banyak pahlawan musik kulit hitam abad kedua puluh , dari Duke Ellington dan Ella Fitzgerald hingga Aretha Franklin dan James Brown, tetapi penemuan kembali seniman yang jarang terlihat (khususnya, seniman jazz) sama pentingnya dengan menyoroti seniman-seniman terkenal. Koleksi Qwest mungkin merupakan peti harta karun paling penting dari konser jazz arsip yang muncul selama bertahun-tahun.

Awal tahun ini, penemuan kecil dari Thelonious Monk, “Palo Alto,” dari tahun 1968, muncul, tetapi konser Monk yang muncul di Qwest— “Thelonious Monk Quartet: Live in Amiens, France,” dari tahun 1966 — adalah yang utama. (Seperti banyak konser dalam koleksinya, itu dibagi menjadi dua bagian.) Monk tampil dalam kuartet regulernya pada waktu itu — pemain saksofon tenor Charlie Rouse, bassis Larry Gales, dan drummer Ben Riley — dan mereka memainkan banyak karyanya. komposisi paling terkenal (termasuk “Blue Monk” dan “Rhythm-a-Ning”), tetapi mereka melakukannya dengan inspirasi kolektif yang didorong oleh antusiasme energik Monk. Ini terlihat dari awal, dalam iringan kerasnya dengan Rouse, dan berlanjut dalam solonya — yang terlihat dari kamera yang bertengger di atas kepala, menampilkan perintahnya pada seluruh keyboard dan mengungkapkan, dalam jangkauannya yang melesat sepanjang panjangnya, proses pemikiran musik dalam tindakan.

“Duke Ellington and His Orchestra: Live at the Pleyel Concert Hall, Paris,” dari tahun 1958, menampilkan pemimpin band dalam bentuk yang ekspansif, baik di piano maupun dalam selingan percakapannya dengan penonton. Konser ini menyoroti solois hebatnya sejak saat itu — terutama, Johnny Hodges pada “MC Blue” dan Paul Gonsalves pada beberapa nomor, khususnya “Take the A Train,” lagu tema band. Pada bagian terakhir, setelah nyanyian menyebar meriah Ray Nance, Ellington menarik tune down-tempo yang kuat, dan solo tenor saxophonist Gonsalves, dalam slide lambat dan berliku-liku yang dia ornamen dengan keintiman filigreed sebelum meledak menjadi terburu-buru bersemangat untuk menyelesaikan.

“Nina Simone: Live at the Olympia, Paris,” dari tahun 1970, mempersembahkan sextet (empat musisi lain dan dua penyanyi latar) dan menemukan dia bersinar dan reflektif; dia energik dan rapsodik di piano, dan ketika, di tengah-tengah “Mataku Hanya Bisa Melihatmu,” dia bangun untuk menari, seolah-olah dia sama-sama mengucapkan mantra dan memberikan berkat.

Dalam “James Brown and the Famous Flames: Live at the Olympia, Paris,” dari tahun 1966, kerja kamera adalah bagian dari cerita. Brown, seperti biasa, dalam overdrive yang menggembirakan, dan closeupnya yang sangat panjang dan sangat ekstrim, dari samping, menyanyikan “Prisoner of Love” dan “Maybe the Last Time,” menemukannya di ambang kegilaan yang menghancurkan bingkai— salah satu yang direalisasikan secara sonik dalam “Please, Please, Please” saat dia berlutut dan melompat ke mikrofon untuk menciptakan suara yang memecah tulang mirip dengan umpan balik bersuara alami. (Selain itu, pada akhirnya, kamera memfokuskan perhatiannya pada anggota audiens yang terkenal, Serge Gainsbourg.)

Pianis Ahmad Jamal, pengaruh kunci pada Miles Davis di tahun lima puluhan, mengatur, pada dasarnya, secara orkestra untuk trio pianonya; grup, dalam “Ahmad Jamal Trio: Live in Paris,” dari tahun 1971, menampilkan kekuatan orkestra penuh pianisme Jamal sendiri melalui dua bagian yang diperpanjang di mana solonya menampilkan keahlian liris yang luar biasa namun tanpa henti, curahan imajinasi bersama dengan sonik belaka keagungan.

Ada tiga penampilan Miles Davis dalam arsip, semuanya direkomendasikan. Yang paling awal, “Miles Davis Quintet: Live at Antibes Jazz Festival,” dari Juli 1969, menampilkan “Lost Quintet” -nya yang hebat (termasuk Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland, dan Jack DeJohnette), disebut demikian karena grup tersebut tidak pernah merekam di studio. Panasnya konser ini terlihat jelas dalam ketegangan antara Davis dan Shorter — Davis bermain dengan intensitas yang terfokus secara ketat, tetapi Shorter bermain dengan amarah yang cenderung ke arah jazz bebas, dan seksi ritem dengan senang hati mengikuti pusaran tersebut. (Ini juga di antara rekaman terakhir Davis dari standar lamanya “Milestones” dan “‘Round Midnight.”) Kemudian pada tahun 1969, “Miles Davis Quintet: Live at Newport Jazz Festival, Paris,” menampilkan grup yang sama dalam perbendaharaan bergeser dan dengan nada yang berbeda — lebih kencang, lebih garang, lebih berorientasi pada rock. Kontras antara karya Davis dengan Shorter dan kelompok lainnya lebih mencolok di sini, dan menunjukkan jeda yang akan segera terjadi: ini adalah penampilan terakhir kuintet yang direkam. Sementara itu, video dengan nama yang salah “Miles Davis Quintet: Live at Newport Jazz Festival, Paris,” dari tahun 1973, tidak menampilkan quintet; ia menonjolkan trompet dengan tali baru (septet) dan gaya baru — trompet elektrik, seperti yang dijelaskan penyiar, dengan pedal wah-wah; suara baru yang funkified dan perkusi-berat yang juga mencakup dua gitar listrik (serta organ listrik yang dimainkan Davis sendiri); dan konsep kelompok baru, di mana kepemimpinannya menjadi semacam perilaku melalui pertunjukan yang panjang dan mengalir bebas yang berubah satu sama lain dengan anggukan kepalanya. Solo Davis sendiri secara radikal terfragmentasi menjadi ledakan dan berjalan yang keduanya menyatu dengan ketukan yang kuat dan meledak melaluinya.

“Aretha Franklin: Live at Antibes Jazz Festival,” dari tahun 1970, menemukan dia sebagai penyanyi jazz, didukung oleh band jazz. Dia membuka acara dengan membawakan lagu “There No Business Like Show Business” dan “Come Back to Me,” sebelum meluncurkan dengan gembira ke perbendaharaan regulernya – “(I Can’t Get No) Satisfaction,” “Respect,” “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman,” dan “I Say a Little Prayer” —dan kemudian duduk di depan piano untuk menemani dirinya sendiri, dengan menggetarkan, dalam “Eleanor Rigby,” “(Sweet Sweet Baby) Because You ‘ ve Been Gone, ”dan“ Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business), ”di mana permainan pianonya yang diilhami Injil meluncurkan nyanyiannya dengan semangat khusus.

Empat bagian dari “Jazz di Philharmonic: Live at the Pleyel Concert Hall, Paris,” dari tahun 1960, menampilkan berbagai kelompok, mulai dari keganasan yang kencang dan blues dari Cannonball Adderley Quintet hingga satu oktet (hampir) semua- bintang, termasuk artis pendiri saksofon tenor jazz, Coleman Hawkins, dan drummer Jo Jones (yang kurang lebih menemukan konsep modern ayunan, dengan Count Basie, pada tahun tiga puluhan). Di Bagian 2, Jones memotong dengan salah satu drum solo paling imajinatif dan menghibur yang pernah saya amati — dia mulai dengan bisikan perkusi dari kuas, sakelar ke tongkat, dan kemudian drum dengan tangannya, menikmati kekuatan drum diri mereka sendiri dan dalam cengkeraman yang mereka lakukan untuk penonton yang kagum.

Pemain terompet Charles Tolliver membentuk grup yang tidak biasa, Music Inc., pada tahun 1969 — grup itu menampilkannya dengan piano, bass, dan drum, tetapi tidak ada terompet lain, menempatkan tuntutan fisik yang luar biasa padanya. Dia bertemu dengannya, dengan menarik, dalam dua konser berbeda. Dalam “Charles Tolliver’s Music Inc .: Live in Paris, Part 1,” dari tahun 1971, dia bersama rekan lamanya, pianis Stanley Cowell (yang meninggal pada 17 Desember, pada usia tujuh puluh sembilan), dan band, yang memainkan musik berirama keras, post-bop yang kompleks dengan semburat musik jazz gratis yang meriah. Di dua nomor terakhir, saat Cowell beralih ke piano elektrik, energinya melimpah ke dalam keriuhan terompet Tolliver yang menyala-nyala. Dalam konser kedua, “Charles Tolliver Quartet: Live in Paris,” dari tahun 1973, trio ritme berbeda, dan Tolliver menonjol di depannya, dengan penuh semangat membawa sebagian besar ruang solo (dan tampaknya mendorong dirinya sendiri ke tepi kelelahan ) dengan beberapa cadenzas yang sangat panjang dan sangat berenergi tinggi.

Pemain terompet Don Cherry — anggota pendiri kuartet revolusioner Ornette Coleman dari akhir tahun lima puluhan dan awal enam puluhan — melakukan set dua bagian, “Don Cherry Trio: Live in Paris,” dari tahun 1971, yang menyaring sensibilitas kaleidoskopik dan komprehensif ke dalam interaksi erat dengan bassis Johnny Dyani dan drummer Okay Temiz. Cherry mulai memainkan seruling kayu dan kemudian beralih ke piano, di mana dia memainkan melodi yang riang berirama dan menarik, yang juga dia nyanyikan, dalam nyanyian bernafas yang mengingatkan pada kosmos musik dunia Pharoah Sanders di akhir tahun enam puluhan. Kemudian dia mengeluarkan terompet sakunya (bel yang sangat pendek) untuk beberapa improvisasi Kubistik yang melesat, sebelum kembali ke alur yang goyang dan nyanyian.

Saya menyimpan yang terbaik — dan kejutan terbesar — ​​untuk yang terakhir. Bud Powell yang hebat, mantan rekan dan rekan pianistik dari Charlie Parker, muncul dengan bassis Pierre Michelot dan drummer Amerika Kenny Clarke (drummer bebop mani) untuk memberikan efek yang menggembirakan dalam sepasang video, “1959: A Night at the Club Saint-Germain ”dan“ Live from the Blue Note Paris, ”dari tahun 1960, dengan penampilan musisi lain. Yang terakhir, mereka bergabung dengan saksofonis Lucky Thompson (juga merupakan rekan dari Parker dan Davis pada rekaman bersejarah) dan, yang lebih mengejutkan, oleh pianis lain, yang disebut sebagai Alice McCloud tetapi yang namanya sebenarnya Alice McLeod —Dan siapa yang lebih dikenal dengan nama pernikahannya, Alice Coltrane. Dia berusia sekitar dua puluh tiga tahun pada saat rekaman, dan keasliannya yang mendalam — terbukti sejak awal, saat dia menemani penyanyi Billie Poole — dicocokkan dengan prekositasnya. Dia adalah bagian dari trio, kuartet, dan kuintet, dan di sepanjang dia memberikan akord yang kaya dan kompleks, disonansi gemilang, dan frase melodi berbentuk tidak teratur yang bergema dengan kerinduan spiritual; suaranya yang khas samudera dan mencari disarankan dalam posisi khas tangannya di keyboard. Dia sudah bermain dengan cara yang menghubungkannya, dari seberang lautan, dengan apa yang dilakukan John Coltrane (yang belum dia temui); pertunjukan ini memperjelas bahwa pertemuan terakhir mereka adalah kemitraan musik, artistik, dan intelektual bahkan sebelum itu terjadi.


2020 dalam Ulasan

Di Persembahkan Oleh : Data SGP